“Remediated Painting Practice

<재매개 회화주의>”

Re-mediated Painterly Practice is a term I have coined as a way to articulate and organize the approach I have consistently pursued in my work. It refers to my painterly attitude of bringing images—originally generated or constructed within digital environments—back into physical presence on a material surface.

Even today, painting is often understood through traditional criteria such as the trace of the hand, brushwork, and originality. However, contemporary images are, in most cases, first created and circulated within digital environments, existing in an immaterial state prior to any physical form. In this context, I believe that painting can no longer be defined solely by the formal standards of the past.

What I call Re-mediated Painterly Practice focuses on the process of re-anchoring immaterial images onto a material surface. What matters here is not a specific technique of production, but the transformation that occurs as an image from the digital screen is transferred onto the support of the canvas and reconstituted as a painterly presence. The image no longer remains confined to the screen; instead, it encounters surface, texture, color, scale, and spatial conditions, thereby acquiring a new materiality. I believe that this moment of transition can become a painterly event that goes beyond mere output or reproduction.

Images have long existed through processes of reproduction, transmission, editing, and reconstruction. Painting today must also be reconsidered within these conditions. In this sense, Re-mediated Painterly Practice is an attempt to rethink the boundaries between original and copy, digital and painting, immateriality and materiality, as well as between traditional painting and the contemporary image environment.

Moving forward, I intend to present this trajectory of work under the term “Re-mediated Painterly Practice,” as a personally constructed framework. It is, ultimately, an attempt to grasp the conditions of the image environment and painting in which I am situated, through my own language. This term originates from my belief that painting, too, must be redefined in relation to the era to which it belongs.

재매개 회화주의는 제가 지속해온 작업의 방식을 스스로 정리하기 위해 붙여본 이름입니다. 이는 디지털 환경에서 생성되거나 구성된 이미지를 다시 물질적 화면 위에 현전시키려는 저의 회화적 태도를 가리킵니다.

오늘날에도 회화는 종종 손의 흔적, 붓질, 원본성과 같은 전통적 기준을 중심으로 이해됩니다. 그러나 동시대의 이미지는 대개 디지털 환경 안에서 먼저 생성되고, 유통되며, 물질 이전의 상태로 존재합니다. 그렇다면 회화 또한 더 이상 과거의 형식적 기준만으로만 규정될 수는 없다고 생각합니다.

제가 말하는 재매개 회화주의는 비물질적 상태의 이미지를 다시 물질적 표면 위에 정착시키는 과정에 주목합니다. 이때 중요한 것은 특정 제작 기술 자체가 아니라, 디지털 화면 속 이미지가 캔버스라는 지지체 위로 이동하며 다시 회화적 존재로 전환되는 과정입니다. 이미지는 더 이상 화면 속에 머무르지 않고, 표면과 질감, 색, 크기, 공간의 조건을 만나며 새로운 물질성을 획득합니다. 저는 이 전환의 순간이 단순한 출력이나 재현을 넘어, 하나의 회화적 사건이 될 수 있다고 믿습니다.

이미지는 오래전부터 복제와 전송, 편집과 재구성의 과정을 통해 존재해왔습니다. 오늘의 회화 역시 이러한 조건 속에서 다시 이해될 필요가 있습니다. 그런 점에서 재매개 회화주의는 원본과 복제, 디지털과 회화, 비물질성과 물질성, 전통적 회화와 동시대 이미지 환경 사이의 경계를 다시 사유하려는 태도이기도 합니다.

저는 앞으로 이러한 작업의 흐름을, 어디까지나 개인적으로 정리한 명칭인 ‘재매개 회화주의’로 소개하고자 합니다. 이는 제가 놓여 있는 이미지 환경과 회화의 조건을 스스로의 언어로 붙잡아보려는 시도에 가깝습니다. 회화 역시 자신이 속한 시대와 함께 새롭게 정의될 수 있어야 한다는 믿음, 그 생각이 이 이름의 출발점입니다.